Испанская полихромная скульптура XVII века: техника изготовления и произведения мастеров Севильской школы
В XVII веке в Испании появилась и достигла своего расцвета новая, необычайно сильная форма реализма. Она была призвана оживить католическое искусство, в том числе и оказать поддержку в борьбе с протестантизмом и быть созвучной идеям испанской инквизиции (особенно на севере страны). Художники и скульпторы создавали образы Христа, Богоматери и святых с натурализмом, призванным производить сильнейшее эмоциональное впечатление, порой не пренебрегая изображением крови и глубоких ран, стремясь шокировать смотрящего. Многие живописцы того времени, особенно Диего Веласкес и Франциско Сурбаран, сегодня исключительно известны и почитаемы, тогда как скульпторы, например, Хуан Мартинес Монтаньес, Педро де Мена, Алонсо Берругете, Грегорио Фернандес по большому счёту неизвестны вне Испании, хотя изготовление скульптур, их резьба и раскрашивание требовали исключительного умения, знания ремесла и таланта.
1. Техника и технология
Процесс изготовления религиозной скульптуры в XVII вековой Испании был чётко подчинён и возглавляем системой Гильдий: гильдия плотников для скульпторов и гильдия живописцев для тех, кто её расписывал. Искусству росписи обучали в живописных студиях по всей Испании, наиболее известная была студия Франсиско Пачеко в Севилье, где обучались и Веласкес и Алонсо Кано. Есть документы, говорящие о том, что Сурбаран в ранние годы расписал резное Распятие. Считалось, что именно рука художника вдохновляла жизнь в скульптуру. Столь близкое сотрудничество скульптора и живописца (порой представавшем в едином лице) вело к выработке особенного художественного стиля, который был призван быть как можно более натуралистичным и акцентировать трёхмерную иллюзорность. Естественно, два жанра живописи – раскрашивание скульптуры и станковая – испытывали взаимное влияние, что было хорошо показано на недавней выставке в Лондонской национальной галерее “Sacred made real” или «Ожившие святые», где вместе со скульптурой Золотого века испанской культуры была выставлена и станковая живопись.
Любопытно, что многие деревянные скульптуры этой эпохи были расписаны художником Франсиско Пачеко (1564 - 1645), учителем Веласкеса, Кано и Сурбарана. Именно поэтому столь органичны в соседстве скульптуры Хуана Мартинеса Монтаньеса, Педро де Мены, Грегорио Фернандеса, расписанные Франсиско Пачеко и Алонсо Кано, и картины Диего Веласкеса и Франсиско Сурбарана.
Специально упомянутой выше выставке была сделана реконструкция одной из скульптур Франциско Антонио Гихон (и неизвестный художник), - св. Иоанн, 1675.
Imaginero – скульптор-живописец религиозных образов сегодня будет резать, расписывать и декорировать её полностью самостоятельно, но традиционно существовало чёткое разделение функций между художниками: резчик, живописец, расписывавший лицо, руки и открытые части тела скульптуры и декоратор, занимавшийся одеждами и нанесением золотого узора. В наши дни чтобы выполнить скульптуру в человеческий рост понадобилась семь недель труда и целая группа специалистов.
Скульптура резалась из единой глыбы (колонны) кипарисового дерева, лишний материал из который вынимался с задней стороны от уровня середины груди до основания (с целью уменьшения веса и сведению к минимуму риска появления трещин).
Голова, руки, кисти, ноги – все видные части тела, также как и отдельные детали одежд вырезались отдельно. В целом же одежда могла быть сделана из ткани пропитанной клеем, и далее прикреплена на корпус, или из другого материал, а резаться из дерева отдельно от центральной части скульптуры и затем эти готовые прикрепляли к сердцевине с помощью животного клея и гвоздей, что видно на рентгене скульптуре Гихона.
Затем поверхность корпуса подготавливалась к раскраске. Убирались опилки, дерево полировалась и натиралась чесноком, чтобы улучшить впитываемость краски, затем наносилось несколько слоев клея и белого грунта.
Теперь о роли художника и декоратора:
Чтобы создать одежды, на скульптуру с помощью животного клея и чесночной эссенции прикреплялась настоящая ткань, своеобразный холст – основание для будущей росписи. Целью было создать имитацию estofado(от estofa – особый вид материала – стёганый шёлк). Далее вся поверхность покрывалась слоем белого грунта и красной известковой глины.
Лист золота помещался на смоченную глину и разглаживался с помощью полировального камня. Поверх наносится слой яичной темперной краски, сверху - через перфорированную кальку белым порошком наносился точечный эскиз узора и следом он процарапывался до золота (убирался слой темперы, где это было нужно). Иногда использовалось перфорирование.
Encarnacion (дословно «оживление») называлось умение добавлять цвет форме. То есть, речь идёт о работе мастера – живописца, расписывавшего лицо и открытые части тела. Было два способа достижения теплых тонов: matt - матовый и polimento - с блеском. Последний достигался полировкой поверхности, и скульптура выглядела блестящей и отражала свет. В Севилье же был более распространён другой приём, ценилась именно матовая поверхность как более подходящая для изображения человеческого тела.
Поверх белого грунта, наносящегося ещё скульптором, художник использовал красноватый основной базовый тон. Холодные краски (для изображения вен, например) наносились под белые и тёплые тона. В некотором роде это повторяет и строение человеческого организма. Далее художник наносил тени и передавал текстуру, используя краски на масляной основе. Конечным штрихом было нанесение белкового лака на глаза.
Затем все части скульптуры соединялись, и она получала свой завершённый вид. Стоит отметить, что зачастую изображения святых одевались в другие, более торжественные наряды, именно настоящие одежды, как манекены, и происходило это по случаю особых религиозных праздников. Скульптуры носились по улицам города, участвуя в процессиях «как живые».
1. Произведения мастеров Севильской (южной) школы
Севильская или Андалусская, в целом - южная школа была вторым центром производства и расцвета испанской религиозной скульптуры XVII века. Ей было характерно, как уже упоминалось выше, предпочтение матовой техники и меньшее акцентирование на сюжетах страстей и мученичества. Одной из самых распространённых тем является, конечно, Распятие, также мы можем видеть своеобразные «портретные» работы, представляющие святых – основателей Орденов, например, и относительно многочисленные женские образы.
Монтаньес был один из главных скульпторов, работавших в Севилье в XVII веке. «Бог дерева», как его называли, часто отсылал свои скульптуры в студию Пачеко для росписи. В 1635 году он был призван в Мадрид для исполнения портрета Филиппа IV. Веласкес изображает в процессе работы.
Диего де Веласкес, портрет Жана Мартинеса Монтаньеса.
Пачеко был известен своим искусством как художник по скульптуре и часто соперничал с Монтаньесом, в том числе, и в этой работе.
Франсиско Пачеко, Христос на кресте, 1614
Хуан де Меса – первый барочный скульптор Испании, ученик Монтаньеса
Это уменьшенная копия одного из самых известных произведений Хуана де Меса, известного как Христос Любви.
Эта работы была заказана в 1618 году и до сих пор участвует в уличных процессиях в Вербное воскресенье. Стиль Месы был почитаем в своё время за преувеличенный реализм особый пафос.
Хуан де Меса и неизвестный художник, Распятие, 1618-20 + деталь
Алонсо Кано, Видение св. Бернарда Клервоского или «Чудо лактации», ок.
1657-60
В 1119 году, преклоняясь в молитве перед скульптурой, изображающей Богоматерь, кормящую младенца Христа, св. Бернард произнёс «Покажи, что ты мать», и при этих словах скульптура ожила, и молоко полилось ему в рот. Сюжет традиционно изображён как видение, Дева Мария показана окутанной облаками, но, несомненно, влияние обучения Кано как скульптора и живописца полихромной скульптуры.
Религиозные ордены в XVII вековой Испании были важными патронами искусств. Тематика заказов в основном сосредотачивались либо на истории ордена, либо на теме экзальтации его основателя или важных членов. Картезианцы, чей ордер был основан в 1084 году св. Бруно, подчинялись строгим монашеским правилам, в том числе таким, как молчание, уединение и вегетарианство. Орден Иезуитов, напротив, был только основан не так давно: в 1540 году бывшим военнослужащим и учёным проповедником св. Игнатием де Лойола. Известные своим благочестием, набожностью и акцентом на обучение, Иезуиты распространили католическую доктрину вплоть до территорий Японии.
В честь причисления Игнатия к лику блаженных в 1609 году, чем он был публично признан достойным в будущем звания святого, Монтаньесу и Пачеко была заказана скульптура – портрет главы ордена в полный рост. Чтобы уловить личные черты, художники основывались на посмертной маске Игнатия (гипсовая копия которой была у Пачеко). Пачеко назвал эту скульптуру одной из лучших, поскольку «он выглядит, как живой». Пример подобного экстраординарного реализма –
Алонсо Кано, св. Иоанн, 1660-65
Только к концу своей карьеры Кано стал и резать, и расписывать свои скульптуры, хотя был обучен этому с самого начала. Св. Иоанн был патроном Гранады.
В 1546 году Фр. Борджиа присоединился к ордену Иезуитов. Здесь он представлен медитирующим над коронованным черепом, символ суеты. Этот живописный портер схож со скульптурой Монтаньеса, которую Кано мог видеть, когда был студентом в его студии.
Алонсо Кано, св. Франциск Борджиа, 1624
Хуан Мартинес Монтаньес и Франциско Пачеко, Св. Франциск Борджиа, ок. 1624
Также как и скульптура св. Игнатия Лойола, этот резной портрет – imagen de vestir, манекен в человеческий рост в рясе, которую одевали в торжественный литургический костюм. Резаны были только голова и руки. Заказанная иезуитами Севильи чтобы отметить беатификацию Борджиа в 1624 году, эта работа стала одним из шедевров Монтаньеса и Пачеко. Как прекрасный визажист, Пачеко наносит более тёмные тени коричневым, чтобы акцентировать скулы, тогда как чёрной линией вдоль век он очерчивает глаза. Конечным штрихом было нанесение белкового лака на глаза, чтобы придать им блеска. Изначально скульптура держала в левой руке нестоящий череп.
Хуан Мартинес Монтаньес и Франциско Пачеко, Св. Франциск Борджиа, ок. 1624, деталь
Хуан Мартинес Монтаньес, Франциско Пачеко, Св. Игнатий Лойола, 1610
Скульптура была заказана в честь беатификации св. Игнатия в 1609 году, того же типа, что и св. Франциск Борджиа – imagen de vestir. Эта работа является прекрасным примером матовой техники Пачеко, которая, по его мнению, больше подходила, чтобы «сделать скульптуру живой», чем блестящий лак. Скорее всего, в его правой руке был крест. Чёрная туника – сделанная из одежд, пропитанных клеем – была, вероятно, добавлена позже.
Педро де Мена – ученик своего отца-скульптора Алонсо де Мена и Алонсо Кано.
Педро де Мена, Экстаз св. Франциска, 1663 Франсиско де Сурбаран, Экстаз св.
Франциска, ок. 1640
Он резал и раскрашивал скульптуры. Его тяга к натуралистичности была настолько высока, что он использовал такие материалы, как стекло для глаз, кость для зубов, настоящие волосы для бровей. Несмотря на небольшой размер, скульптура рождает невероятное впечатление. В XIX веке путешественники специально приходили посмотреть на это произведение, расположенному в сакристии кафедрального собора Толедо. Впервые эта скульптура покинула своё место для выставки в Лондоне.
Педро де Мена, Се Человек, 1673
Скульптура предназначалась для близкого рассмотрения, и качество резьбы на высоте. Голубая краска была нанесена под тонами румян с целью натуралистично показать кожу Христа, подвергшегося избиению. Стеклянные глаза были инкрустированы в пазы, а для ресниц использовались натуральные волосы.
Мария Магдалина изображена молящейся с небольшим распятием в левой руке. Она ступает вперёд, поза полна динамики, её правая рука у груди, всеми жестами и движениями передаются её чувства, испытываемых ею при мыслях о страданиях Христа. Поверхность одежды покрыта глубокими, сильными линиями, показывающими структуру грубой ткани.
по работе Педро де Мена, св. Мария Магдалина с распятием, конец 1660х
Хуан Мартинес Монтаньес (приписывается)
Богоматерь Непорочного Зачатия, ок. 1628
Тематика непорочной Богоматери была распространена в искусстве Севильи, поскольку город был определённым родом посвящен Деве Марии. Такие мастера как Монтаньес и Пачеко работали вместе, стремясь достичь совершенного изображения Богоматери, найти своеобразный канон. Первоисточник образа находится в Откровении Иоанна Богослова: «…явилось на небе великое знамение: жена, облечённая в солнце; под ногами еёлуна, и на главе её венец из двенадцати звёзд». Пачеко изобразил её красивой 12-13 летней девушкой с «глазами прекрасными и серьёзными».
Интересующимся советую посмотреть видео о том, как делается традиционная полихромная скульптура:
Making a Spanish Polychrome Sculpture
Адриашенко Д.М.
В статье использованы материалы с сайта Лондонской Национальной Галереи и Национальной Галереи Искусств (США)
________________________________________
Такая вот испанская религиозная скульптура XVII века (южная). На севере было суровее.
________________________________________________________________________________
Испанская полихромная скульптура XVII века: техника изготовления и произведения мастеров Севильской школы by Adriashenko Daria is licensed under a Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.0 Unported License.________________________________________________________________________________
Based on a work at moonwater-elf.livejournal.com.
Спасибо ��
ОтветитьУдалить